浅析山水画绘画

摘要：山水画是中国古代传统绘画之一，传承至今，一直在不断的发展和创新。山水画创作一直是一门新的课题，本文就山水画绘画理解和创作体会进行简要阐述。

关键词：山水画、意境、笔墨、创作

一、山水画文化背景

中国山水画是我国传统绘画中最重要的一种形式,其历史产生时间较人物画晚，但比较花鸟画要早。山水画萌芽于魏晋南北朝时期，由于诸多原因导致隋代以前的画作没能流传下来，后人只能通过文献的记载窥探当时山水画的面貌，这是一大憾事，更是警醒——对于中国传统的事物要传承与维护并重。山水画在隋唐时期发展趋于成熟,五代两宋时期达到了顶峰,元明清各代各有其发展,人才辈出,是中国传统艺术形式上的一道靓色。

与西方艺术类比，山水画可以说是中国的风景画,但又不似西方艺术那样对自然风光的直接描绘,几乎所有的作品都是画家自身情感的流露和对现世的看法，追求一种“人画合一”的精神境界。这种境界的体现深受道家思想的影响，道家思想便是追求天人合一和对自然的高度崇尚。儒家思想和禅宗思想对绘画的影响也颇深。但在山水画总的发展上来说,主要的还是道家思想。

二、山水画的意境

所谓意境,看似无从道也，却有理可循。世人以为“意境”一词最早提出的是王国维先生。不得不说，这是个美丽的误会。“意境”一词早在唐朝就“崭露头角”，明清时期就反复被使用过。在山水画对意境的追求中，艺术家情感思想作用于客观审美对象的产物,便是物我合一的体现。郑燮先生在美学上的成就颇高，他的“三竹论”一直是我在创作中的灵魂指引。绘画意境创作的三个阶段：“眼中之竹”、“胸中之竹”再到“手中之竹”。“眼中之竹”是对物像的直观把握，“胸中之竹”是物像经过画家的审美活动的加工与创造而形成的胸中物像，“手中之竹”则是画家运用自身的绘画技巧把胸中物像加以物化。三个阶段，两个飞跃，这种意在笔先的创作思路是一种新命题。意境赋予画作鲜活的生命力，但这种意境的把握不是一蹴而就的，必先极工而后写意，否则气候欠缺，不成器统。

三、山水画的笔墨

中国画的笔法和书法中的笔法运用息息相关，书法行笔运腕包括起笔、运笔、收笔三个步骤,起笔和收笔讲究藏锋和自然而然，行笔讲究力度,书法也重视对“意”的把握，书法因“意”而“气韵生动”。运笔用锋分中锋、逆锋、侧锋、散峰等区别，以中锋用笔为核心。中锋控笔，线条才能平实有力，有入木三分之感。山水画用笔亦然，线条要充满张力，收放自如，婉转灵活。中国画有“笔断意未断”之说，想必这就是用笔的登峰造极之境。

墨分五色，即焦、浓、重、淡、清五种效果。墨的各种效果是为了丰富绘画的内在变化，“笔为骨，墨为肉”，笔墨不能分割。用墨的妙处在于用水，水墨的干湿和浓淡都是通过控水来达到的效果。在山水画中，用水是一门高级艺术，通过水来控墨能得到无数种可能。在山水画写生中，对水和墨的分配往往带有顺其自然的运势，这是山水画独有的笔墨趣味，正因为如此，山水画更显得生动。

四、山水画的创作

对于山水画的学习，临摹古画固然重要，但写生也同样重要。写生的过程体现了画家对大自然对象的理解和把握。写生的目的在于创作，更在于感受，万万不能照办照旧，要有自己的笔墨运腕。写生有全景和截取式场景之分，但无论是那种，都需要对事物的充分熟悉与了解才能绘制出事物的特征。同时画家要有丰富的想象力，大胆取舍，大胆对景物的裁剪，通过细心布局，创作画作。刚学习山水画者，有一个通病，便是无法对直观的景物进行表现，对此，通过临摹的方法最易入手，初学者进行创作，可以尝试用默写法，把临摹来的笔墨“目识心记”，把各种事物的画法技巧熟记于心，下次运用时便可记以于用。但对于久学者来说，这是“笑话”笔墨，其实不然，山水画创作也好，或者是其它，都讲究一个过程，“搜尽奇峰打草稿”的妙处也在于此。

能独立完成一幅创作，必须是经过日积月累的练习，通过反复实践与思考。创作中会遇到很多难题，有时笔墨达不到自己想要的效果，便会陷入一种迷局，总得来说，还是要多看多学以致用。学百家之长，成己身之功。山水画的绘制在于沉淀，“不积跬步，不至千里；不积小流，不成江海”，山水创作路漫漫。

五、总结

学习传统不仅要学习方法，还要体会理解境界。传统中国画中，山水画是非常重要的一大宗，山水画最能体现中国人天人合一的精神。简之，山水画是一种高雅的艺术欣赏品，中国画底蕴悠远，风华独具，具有永恒的艺术魅力和传世价值。

参考文献：

【1】肖东发.国画风采.现代出版社.2015

【2】唐建.中国画的写意精神.北京时代华文书局.2016

【3】王云亮.中国画理论及研究.中国文史出版社.2013

【4】叶朗.中国美学史大纲.上海人民出版社.2017